⚡강렬한 나르시시즘에 깃든 놀라운 천재성 [Footloose!] - 폴 블레이(Paul Bley)

클래식 피아니스트 글렌 굴드, 재즈 피아니스트 오스카 피터슨, 그리고 또 한명의 재즈 피아니스트 폴 블레이. 음악만 놓고 본다면, 이 세 분 사이에 공통점을 찾기란 결코 쉽지 않습니다. 그들의 연주 세계는 서로 너무나 달라서, 이미 고인이 되셨다는 점 외에는 공통된 무언가를 떠올리기조차 어렵지만, 넓게 외연을 보자면 이들은 모두 캐나다 출신의 피아니스트이자, 같은 악기를 연주하셨다는 공통점이 있습니다. 그렇다고 해서 이 세 분을 같은 분류에 넣는 것은 말이 안되는 우스갯소리처럼 들릴 수 있겠으나, 아이러니하게도, 바로 그 극단적인 차이야말로 이분들이 지닌 가장 위대한 공통점일지도 모릅니다. 각기 전혀 다른 방향으로 피아노의 표현 영역을 밀어붙이며, 지금 현 지구상에서 가장 큰 영향력과 존재감을 느끼게 해주고 가신 ‘피아노의 전설들’ 로 남아 계시다는 사실이 아마도 가장 확실한 공통점이 아닐까요.

재즈 피아니스트 폴 블레이는 젤리 롤 모턴, 아트 테이텀, 셀로니어스 멍크, 빌 에번스 등과 함께 재즈 역사상 가장 중요한 피아니스트 중 한 명이라고 이야기할 수 있습니다. 대다수의 재즈 팬들이 여기에 동의할지는 잘 모르겠으나 최소한 저와 같은 골수 팬들에게는 분명히 그렇습니다. 그러나 재즈계 전반의 분위기를 살펴보면, 폴 블레이에 대해서는 다소 거리를 두고 존경을 표하는 경우가 많았습니다. 그 이유는 결코 그의 음악적 성취가 부족해서가 아니고, 전 부인이었던 칼라 블레이(훗날 그의 오랜 음악적 동료인 스티브 스왈로우의 실질적인 아내가 되신 분)를 비롯해 수많은 동료 뮤지션들의 증언과 여러 일화가 담긴 인터뷰를 통해 충분히 유추할 수 있기도 합니다. 아무튼 모던 재즈 피아노가 비밥과 쿨의 울타리를 넘어 새로운 방향을 모색하던 시기, 그는 한 치의 망설임 없이 자유롭고 창의적인 선구자로 나섰습니다. 즉흥성과 직관성에 기반한 독창적인 연주 세계를 구축했으며, 또한 ECM을 비롯한 유럽 재즈의 주요 흐름과도 깊이 연결되어 있었는데, 특히 3살차이 나는 빌 에번스와는 정반대의 재즈 스펙트럼에 자리하며, 프리재즈와 아방가르드의 실험 정신을 탑재한 채 그 새로운 흐름을 알리고 발전에 공헌한 의미가 컸습니다. 그럼에도 불구하고, 음악 산업, 특히 재즈를 포함한 대중음악 산업의 전체 구조 속에서 그는 상대적으로 덜 알려진 인물로 남아 있습니다.

2 젊은시절 콘트라베이스를 연주하던 스티브 스왈로우 1961년도.jpg 베이시스트 스티브 스왈로우(Steve Swallow) 의 젊은 20대 시절

그의 1963년 피아노 트리오 앨범인 [Footloose!] 는 당시 재즈의 흐름을 가장 잘 설명해주는 앨범 중 하나였습니다. 재즈가 모던과 프리의 주요 갈림길에서 방향을 새롭게 틀던 시기, 폴 블레이는 그 누구보다 민감하게 시대의 변화를 포착했고, 그 변화 속에서 자신만의 소리를 만들어냈습니다. 2000년대 등장했던 재즈 트리오 ‘배드 플러스’의 전 피아니스트였던 이단 아이버슨은 이 앨범 [Footloose!]에 대해 “폴 블레이에서 키스 재럿을 거쳐 브래드 멜다우로 이어지는 현대 재즈 피아노 스타일의 주요 계보는 이 음반에서 시작되었다고 해도 과언이 아니다” 라고 평가한 바 있으며, 필자 역시 그 의견에 깊이 공감하고 있습니다. 이 앨범에서는 당시 대학생이었던 스티브 스왈로우가 콘트라 베이스를 맡았고, 그의 추천으로 합류하게 된 드러머 피트 라로카가 함께 리듬 섹션을 구성해 트리오를 이루었습니다. 피트 라로카는 이후 조 헨더슨과 함께 연주한 Blue Bossa 로도 잘 알려져 있으며, 블루 노트 레이블에서 수많은 세션을 소화한 후, 본명인 피터 심스로 활동하며 나중에 변호사로 전직한 독특한 이력을 가지고 있습니다. [Footloose!]의 레퍼토리는 오넷 콜맨의 When Will the Blues Leave 와 폴 블레이 본인의 오리지널 곡 두 곡을 제외하면, 모두 당시 그의 아내였던 작곡가 칼라 블레이의 초기 작품들로 채워져 있습니다. 이 곡들은 멜로디 중심의 보편적인 곡 구조를 따르기보다는, 즉흥성을 위한 일종의 ‘다이빙 보드’처럼 기능하며, 프리 재즈 스타일의 연주 접근에 최적화된 헤드–솔로–헤드 구조의 ‘구색’만을 제공하고 있었습니다. 그런 점에서 이 앨범은 칼라 블레이의 존재감과 폴 블레이의 음악 세계가 맞닿아 있던 중요한 시기를 포착한 초기 시절의 결정적인 기록이라 할 수 있을 겁니다.

한편, 폴 블레이는 오넷 콜맨이 프리 재즈의 창세기적 명반으로 평가받는 [The Shape of Jazz to Come] (Atlantic/1959)을 발표하기 1년 전, 캘리포니아에서 그와 만나 함께 연주하며 결정적인 영향을 받았습니다. 이 시기의 정규 앨범은 남아 있지 않지만, 일부 라이브 부틀렉 음원들이 발매되어 있으며, 그 속에서 두 사람의 연주 스타일과 교감의 흔적을 충분히 확인할 수 있기도 합니다.

비밥의 전형적인 언어에 크게 의존하지 않고도 재즈적인 즉흥성과 음악적 내러티브가 충분히 작동하기 위해서는, 일단 연주력이 첫 번째로 필요한 기술이었습니다. 폴 블레이는 이미 10대 때부터 프로페셔널 연주자로 활동했고, 맥길 대학교와 뉴욕 줄리어드 음대를 거친, 그야말로 그 시절부터 기술이 이미 완성되어 있던 연주자였습니다. 찰리 파커와 함께 연주한 적도 있었고, 자신의 데뷔 앨범은 레전드 찰스 밍거스가 본인 레이블인 데뷔(Debut)에서 직접 발매해줄 만큼 촉망받는 재즈 인재이기도 했었죠.

수록곡에 관하여

사실 이 앨범은 냉정히 말해 어쿠스틱 사운드의 퀄리티 측면에서만 본다면, 동시대의 다른 수작들, 예컨대 블루노트 레이블 앨범들에 비해 그리 매력적이라고 말하기 어려웠습니다. 바로 그 점 때문에 이 음악이 약 60여 년간 적극적인 평가를 받지 못한 채 다소 가려져 있던 이유 중 하나였다고 생각합니다. [Footloose!] 앨범에 관한 스티브 스왈로우의 회고에 따르면, 당시 많은 비가 내려 녹음 예정이었던 스튜디오의 피아노 상태가 좋지 않았다고 합니다. 그러나 폴 블레이는 전혀 개의치 않았습니다. 오히려 그러한 악조건조차 연주의 일부로 끌어들였다고 볼 수 있습니다. 특히 Syndrome 에서의 피아노 솔로는 시작부터 멜로디를 따라 부르거나 스캣에 가까운 소리를 내며 진행되는데, 이는 훗날 ‘쥐어짜는 듯한 괴성’으로 기억되는 키스 재럿의 스타일이 이미 이 시기에 일정 부분 폴 블레이로부터 영향을 받았다는 점을 암시하는 장면으로도 느껴졌습니다. 즉, 의도하지 않았지만 결과적으로 흐름에 힘을 실어준 ‘비의도적’인 구조의 전개, 그리고 그런 관행이 이 앨범에서 하나의 미학적 형식처럼 작동했다고 말할 수 있다면, 조금 과장처럼 들릴지도 모르겠습니다. 하지만 그리 어긋난 해석이라고 말하기도 어려운 게 키스 재럿이 60년대 중반 젊었던 시절 가장 많이 들었던 작품이 바로 이 작품 [Footloose!] 이었다고 오래 전부터 말한 적이 있었죠. 골백번은 더 들었다고 직접 말할 만큼 이 작품에 대해 키스 재럿이 지닌 애정은 무척 컸던 겁니다.

3 드러머 피트 라로카.jpg

드러머 피트 라로카(Pete Laroca)

칼라 블레이의 곡 Around Again, Syndrome 에서 들을 수 있는 피트 라로카의 드럼 솔로는, 그가 당시 얼마나 참신하고 탁월한 스윙 그루브의 마스터였는지를 잘 보여줍니다. 폴 블레이가 새롭게 시도하던 재즈에서는 스윙보다는 스트레이트한 리듬에 대한 갈망이 있었고, 그런 흐름이 이 앨범 곳곳에서 감지되기도 했습니다. 연주자 간의 긴장감과 상호 작용은 이 앨범이 여느 명반과는 다른, 미묘하고 유기적인 분위기를 가지게 만든 중요한 요소 중 하나였다고 생각합니다.

그중에서도 Cousins 는 특히나 인상적인 트랙입니다. 피아노와 베이스 듀엣으로 구성된 이 곡은, 훗날 ECM 레이블이 추구하게 되는 사운드의 ‘공간감’을 구조적인 음악 언어로 받아들이는 계기를 마련한 곡 중 하나로 여겨집니다. 실제로 ECM의 설립자 만프레드 아이허는 훗날 폴 블레이의 유럽 공연에서 직접 베이스를 연주하기도 했다고 전해지고 있습니다. 1970년대에는 키스 재럿, 칙 코리아, 폴 블레이가 각각 발표한 피아노 솔로 앨범들 — [Facing You], [Piano Improvisation], [Open, to Love] — 이 후대 재즈 피아니스트들에게 막대한 영향을 전해주었습니다. 그 출발점은 폴 블레이가 1950년대 레니 트리스타노에게서 받은 영향, 특히 쿨 재즈 스타일의 수평적인 라인 감각과 직관적인 즉흥성에서 비롯된 것으로 언급되곤 하죠. 칼라 블레이의 ‘심쿵 발라드’ Ida Lupino 의 베스트 버전 중 하나도 바로 [Open, To Love] 에 있습니다.

한편, 이 작품에 반영된 또 다른 중요한 영향으로는 쿨 재즈 스타일의 색소포니스트/클라리넷 연주자 지미 주프리에게서 받은 것이 있습니다. 그는 새로운 재즈의 방향을 제시한 선구자 중 한 명이었으며, 폴 블레이는 1961년 ‘주프리 3’라는 프로젝트 트리오(이때 스티브 스왈로우와 처음으로 함께 연주하게 되었습니다)를 통해 그의 음악 세계와 직접 접촉했습니다. 이 시기의 앨범들은 훗날 ECM에서 《1961》 이라는 제목으로 재발매 되었으며, 그 안에는 칼라 블레이가 첫 번째로 작곡한 Jesus Maria 가 수록되기도 했었죠. 이 곡은 2009년 브라스 퀸텟(금관 5중주)과 피아노 베이스버전으로 다시 등장한 바 있는데, 그 안에서 드러나는 칼라 블레이의 모던한 작곡 세계는, 폴 블레이와의 관계가 단순한 동료 이상의, 음악적으로는 떼려야 뗄 수 없는 깊은 연결을 맺고 있었음을 다시 한 번 실감하게 해줍니다.

폴 블레이는 이후 60년대 중반 잠시 소니 롤린스의 피아니스트가 되었는데, 여기에 얽힌 흥미로운 오디션 일화가 있습니다. 뉴욕의 클럽 버드랜드에서 열린 오디션 중, 소니 롤린스가 폴 블레이를 먼저 데려가는 바람에 마일스 데이비스는 할 수 없이(?) 허비 행콕을 선택하게 되었다고 합니다. 물론 재즈의 역사는 언제나 그렇듯 예측할 수 없는 우연과 선택의 흐름 속에서 이어졌습니다. 그리고 그런 알 수 없음의 동전 던지기야말로, 폴 블레이의 예측 불가능한 음악 세계와 가장 닮아 있다고 느끼는 사람이 비단 저 혼자만은 아닐 거라 봅니다.

5 클라리넷 연주자 지미 주프리와 함께 연주하는 스티브 스왈로우와 폴 블레이. 1961년도.jpg

클라리넷 연주자 지미 주프리와 함께 연주하는 스티브 스왈로우와 폴 블레이. 1961년도

Epilogue

지금으로부터 62여 년 전 녹음된 이 앨범이 지금 들어도 여전히 진보적이고 ‘신선’하게 느껴진다는 사실은, 이 작품이 얼마나 남다른 진취성을 지니고 있는지를 깨닫게 해줍니다. 상업적 인지도, 대중 팬 층의 규모, 미디어 노출 빈도 등을 종합적으로 고려했을 때, 키스 재럿, 칙 코리아, 허비 행콕, 브래드 멜다우 같은 실력 대비 '운이 따랐던 레전드들'에 비해 폴 블레이는 확실히 저평가되어 왔다고 할 수 있습니다. 그러나 그의 상대적으로 낮은 인지도는 단순히 대중의 무관심 때문이라기보다는, 그가 선택한 음악적 길 (자율성과 예술적 모험을 우선하는 길)을 선택한데에 따른 필연적인 결과였다고 생각합니다. 다만 그럼에도 불구하고 아쉬움은 여전히 남는데, 한 가지 위안이 되는 점은 지금 이 순간에도 재즈 피아니스트를 지망하는 소수의 누군가는 이 앨범 [Footloose!]에 담긴 음악을 처음 듣고 깊은 충격을 받으며, ‘왜 이런 음악가를 이제야 알게 되었을까’라고 말하겠죠. 그리고 폴 블레이가 남긴 주옥같은 다른 디스코그래피를 훑어 나갈 겁니다. 그는 그런 음악가였고, (너무 진부해 표현하기 주저하게 되는 문장들이지만) 그야말로 시대보다 최소한 반세기를 앞서 있었고, 그 누구보다 독립적이었으며, 어쩌면 대중이 따라가기에는 너무나도 자아도취적인, 지극히 자기 자신에게 충실했던 예술가가 아니었나 생각합니다.